Японская живопись имеет очень богатую историю, ее традиции обширны, а уникальное положение Японии в мире во многом повлияло на основные стили и техники японских художников. Общеизвестно, что на протяжении веков Япония была довольно изолирована — и не только в силу географических особенностей, но и в силу доминирующей в японской культуре склонности к изоляции, которой была отмечена история страны. На протяжении веков существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от остального мира. И это заметно даже в технике японской живописи. Например, картины нихонга — техника которых была основана на традициях, которым более тысячи лет, и такие картины обычно выполнялись на васи (японской бумаге) или эгину (шелке) с помощью кистей.
Тем не менее в процессе длительного развития японской живописи особое влияние на нее оказывали китайская культура и художественные практики, такие как буддийская религиозная живопись, пейзажная живопись тушью и идеографическая каллиграфия. Японская живопись всегда впитывала и переваривала их, чтобы воссоздать совершенно оригинальный японский стиль.
Начиная с XVII века на японскую живопись стали оказывать влияние и западные традиции. В частности, в предвоенный период, длившийся с 1868 по 1945 год, японская живопись находилась под сильным влиянием импрессионизма и европейского романтизма.
В то же время новые европейские художественные движения также испытали значительное влияние японских художественных практик. В истории искусства это влияние называется японизмом, и особенно сильно оно сказалось на импрессионистах, кубистах и художниках, связанных с модерном.
Многолетняя история японской живописи может быть понята как синтез нескольких традиций, составляющих узнаваемую японскую эстетику.
Прежде всего, значительный след в эстетике японской живописи оставили буддийское искусство и техника живописи, а также религиозная живопись.
Наконец, большое влияние на японскую живопись оказали древние представления о красоте из философии и культуры Древней Японии. Ваби, что означает преходящую и суровую красоту, саби (красота естественной патины и старения) и юген (глубокое изящество и тонкость) по-прежнему являются влиятельными идеалами в японской живописи.
После войны Онин (1467-1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, продолжавшийся более века. В государстве, возникшем под руководством сёгуната Токугава, организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, а сохранившиеся виды искусства были преимущественно светскими. В период Мэйдзи (1868-1912) произошел резкий приток западных стилей, которые продолжают играть важную роль.
Живопись является наиболее предпочтительным видом художественного творчества в Японии, которым занимаются как любители, так и профессионалы.
Одна из главных особенностей японской живописи — изображение сцен из повседневной жизни и повествовательных сюжетов, которые часто переполнены фигурами и деталями. Этот традиционный стиль дошел до наших дней в японском изобразительном искусстве, даже до недавних «Манга» и «Аниме».
Период Нара (710-794 гг.)
Настенная роспись из гробницы Такамацудзука
С дальнейшим утверждением буддизма в Японии VI и VII веков религиозная живопись процветала и использовалась для украшения многочисленных храмов, возведенных аристократией. Однако Япония периода Нара известна скорее благодаря значительным достижениям в искусстве скульптуры, чем живописи.
К самым ранним сохранившимся картинам этого периода относятся фрески на внутренних стенах Кондо в храме Хорю-дзи в Икаруга, префектура Нара. Эти настенные росписи, а также росписи главного святилища Тамамуси включают в себя повествования типа «джатака», эпизоды из жизни Будды Шакьямуни, а также культовые изображения будд, бодхисаттв и различных второстепенных божеств. Стиль напоминает китайскую живопись времен династии Суй или позднего периода Шестнадцати царств. Однако к середине периода Нара стали очень популярны картины в стиле династии Тан. К ним относятся и настенные фрески в гробнице Такамацудзука, датируемые примерно 700 годом нашей эры. Этот стиль развился в жанр кара-э, который оставался популярным до начала периода Хэйан.
Период Хэйан (794-1185)
Панель из свитка «Повесть о Гэндзи» (деталь)
С развитием эзотерических буддийских сект Сингон и Тэндай живопись VIII и IX веков характеризуется религиозными образами, в первую очередь рисованными мандалами. Многочисленные варианты мандалы, наиболее известные из которых — Мандала алмазного царства и Мандала царства чрева в Тодзи в Киото, создавались в виде свитков, а также в виде фресок на стенах храмов. Один из ранних примеров находится в пятиярусной пагоде храма Дайго-дзи, расположенного к югу от Киото.
Школа Косе — это семья придворных художников, основанная Канаока Косе во второй половине IX века, в начале периода Хэйан. Эта школа представляет собой не единый стиль живописи, как другие школы, а различные стили живописи, созданные Канаока Косе и его потомками и учениками. Эта школа преобразовала картины с китайскими сюжетами в японский стиль и сыграла важную роль в формировании стиля живописи ямато-э.
С ростом значения сект Чистой земли в японском буддизме в X веке были разработаны новые типы изображений, чтобы удовлетворить религиозные потребности этих сект. К ним относятся райгодзу, изображающие Будду Амиду вместе с сопровождающими его бодхисаттвами Каннон и Сейши, прибывающих, чтобы приветствовать души верных усопших в Западном раю Амиды. Один из ранних примеров, датируемый 1053 годом, нарисован на интерьере Зала Феникса в храме Бёдо-ин в Удзи, Киото. Эта картина также считается ранним примером техники ямато-э, поскольку включает в себя элементы пейзажа, такие как мягкие холмы, которые, отражают части реального вида ландшафта западной Японии.
Середина эпохи Хэйан считается золотым периодом ямато-э, которые первоначально использовались в основном для раздвижных дверей (фусума) и складных ширм (байобу). Однако, особенно к концу периода Хэйан, на первый план вышли и новые форматы живописи, в том числе эмакимоно, или длинные иллюстрированные свитки. Разновидности эмакимоно включают в себя иллюстрированные романы, такие как «Гэндзи моногатари», исторические труды, такие как «Бан Дайнагон Экотоба», и религиозные произведения. В одних случаях художники эмаки использовали живописные приемы повествования, применявшиеся в буддийском искусстве с давних времен, в других — разрабатывали новые способы повествования, которые, как считается, визуально передают эмоциональное содержание основного повествования. Э-маки также служат одними из самых ранних и выдающихся образцов стилей живописи таких, как онна-э и отоко-э. Между этими двумя стилями существует множество тонких различий, которые, пожалуй, легче всего заметить именно в тематике. Онна-э, примером которого является свиток «Повесть о Гэндзи», обычно посвящены придворной жизни и придворной романтике, в то время как отоко-э часто посвящены историческим или полулегендарным событиям, в частности, сражениям.
Период Камакура (1185-1333)
«Ночная атака на дворец Сандзё»
Направление ямато-э продолжало развиваться и в Японии эпохи Камакура. Ярким примером стиля отоко-э в этот период может служить картина «Ночное нападение на дворец Сандзё» — произведение, полное ярких красок, деталей и великолепной визуализации из романа «Хэйдзи моногатари». Различные виды э-маки продолжали создаваться, однако в период Камакура гораздо сильнее проявилось искусство скульптуры, а не живописи. Поскольку большинство картин периодов Хэйан и Камакура носят религиозный характер, подавляющее большинство из них было написано безымянными художниками.
В эту эпоху происходило возрождение еще более ранних классических стилей, заимствование новых направлений с континента и, во второй половине периода, развитие уникальных восточно-японских стилей, сосредоточенных вокруг эпохи Камакура.
Период Муромати (1333-1573 гг.)
Дзёсэцу «Ловля сома с помощью тыквы» (Hyōnen-zu)
В XIV веке развитие великих монастырей дзэн в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суйбокуга, строгий монохромный стиль живописи тушью, привнесенный из Китая династии Мин стилями туши Сун и Юань, особенно Муци, в значительной степени заменил полихромные свитки раннего дзэн-искусства в Японии. Несмотря на новую китайскую культурную волну, порожденную культурой Хигасияма, некоторые полихромные портреты сохранились — в первую очередь в виде чинсо с изображением дзэнских монахов.
Картина «Ловля сома тыквой» (находится в Тайдзо-ин, Миосин-дзи, Киото), написанная священником-художником Дзёсэцу, знаменует собой поворотный момент в живописи Муромати. Принято считать, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого пространства в плоскости картины. К концу XIV века монохромные пейзажные картины (сансуйга) нашли покровительство у правящей семьи Асикага и стали предпочтительным жанром среди дзэнских художников, постепенно эволюционируя от своих китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал стихотворный картинный свиток, известный как сигадзику.
Главными художниками периода Муромати являются священники-живописцы Сюбун и Сессю. Сюбун, монах киотского храма Сёкоку-дзи, создал на картине «Чтение в бамбуковой роще» (1446) реалистичный пейзаж с глубоким уходом в пространство. Сэссю, в отличие от большинства художников того периода, смог совершить путешествие в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. Пейзаж четырех времен года (Сансуй Чокан; ок. 1486) — одна из самых совершенных работ Сэссю, изображающая непрерывный пейзаж четырех времен года.
В конце периода Муромати живопись тушью вышла из монастырей Дзэн в мир искусства в целом, так как художники школы Кано и школы Ами переняли стиль и темы, но привнесли более пластичный и декоративный эффект, который сохранился и в современности.
Период Адзути-Момояма (1573-1615)
Кано Эйтоку (1543–1590) «Птицы и цветы четырех времен года»
В резком контрасте с предыдущим периодом Муромати, период Адзути-Момояма характеризовался грандиозным полихромным стилем, с широким использованием золотой и серебряной фольги, которая наносилась на картины, одежду, архитектуру и т.д.; а также работами очень большого масштаба. В противовес пышному стилю, который знали многие, военная элита поддерживала деревенскую простоту, особенно в виде чайной церемонии, где использовалась устаревшая и несовершенная утварь в подобной обстановке. В этот период началось объединение «враждующих» лидеров под властью центрального правительства. Первоначальной датировкой этого периода часто считается 1568 год, когда Нобунага вошел в Киото, или 1573 год, когда последний сёгун Асикага был удален из Киото. Школа Кано, которой покровительствовали Ода Нобунага, Тоётоми Хидэёси, Токугава Иэясу и их последователи, приобрела огромный размах и престиж. Кано Эйтоку разработал формулу создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, отгораживающих комнату. Эти огромные ширмы и настенные росписи заказывали для украшения замков и дворцов военной знати. Кано Эйтоку разработал формулу создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих помещение. Эти огромные ширмы и настенные росписи заказывали для украшения замков и дворцов военной знати. В частности, в 1576-1579 годах Нобунага построил огромный замок, который стал одной из самых сложных художественных задач для Кано Эйтоку. Его преемник, Тоётоми Хидэёси, также построил несколько замков в этот период. Эти замки были одними из самых важных художественных произведений, когда речь шла об экспериментах в этот период. Они символизировали силу и уверенность лидеров и воинов в новой эпохе. Этот статус сохранился и в последующий период Эдо, поскольку бакуфу Токугава продолжало продвигать работы школы Кано как официально одобренное искусство для сёгунов, даймё и императорского двора.
Однако в период Адзути-Момояма существовали и развивались художники и течения, не принадлежащие к школе Кано, которые адаптировали китайские темы к японским материалам и эстетике. Одной из важных групп была школа Тоса, которая развивалась в основном из традиции ямато-э и была известна в большей степени мелкими работами и иллюстрациями к литературной классике в формате книг или эмаки.
Период Эдо (1603-1868)
Кацусика Хокусай «Мост Тенма в провинции Сэцу,
Из редких видов знаменитых японских мостов»
Экономическое развитие, сопровождавшееся приходом мирного общества в период Эдо, привело к развитию самых разнообразных форм искусства, и многие картины были выполнены в стиле, отличном от стиля школ Кано и Тоса, которые были ортодоксальной школой живописи. В 1770 году Нобуо Цудзи опубликовал книгу «Кисо но кэйфу» («Линия эксцентрики»), посвященную художникам «линии эксцентрики», которые нарушили существовавшие традиции. К их числу относятся Иваса Матабэй, Кано Сансэцу, Ито Якучу, Сога Сёхаку, Нагасава Росэцу и Утагава Куниёси. Эти работы произвели революцию в восприятии истории японского искусства, а живопись периода Эдо стала одним из самых популярных направлений изобразительного искусства в Японии.
Одной из самых значительных школ, возникших в начале периода Эдо, была школа Ринпа, которая использовала классические темы, но представляла их в смелом и богатом декоративном формате. В частности, Сотацу развил декоративный стиль, воссоздавая сюжеты из классической литературы, используя блестящие цветные фигуры и мотивы из мира природы на фоне золотых листьев.
Другим важным жанром, зародившимся в эпоху Адзути-Момояма, но достигшим своего полного развития в начале периода Эдо, было искусство нанбан — изображение «экзотических иностранцев» в японской живописи. Этот жанр был сосредоточен вокруг порта Нагасаки, который после начала политики национальной изоляции сёгуната Токугава стал единственным японским портом, остававшимся открытым для иностранной торговли, и, таким образом, стал каналом, через который китайское и европейское художественное влияние пришло в Японию. К этому жанру относятся картины школы Нагасаки, а также школы Маруяма-Сидзё, в которых западное влияние сочетается с традиционными японскими элементами.
Третьей важной тенденцией периода Эдо стало развитие жанра бундзинга (живопись литераторов), также известного как школа нанга (южная школа живописи). Этот жанр зародился как подражание работам китайских ученых-любителей династии Юань, чьи произведения и техники попали в Японию в середине XVIII века. Наибольшим сторонником создания стиля бундзин был мастер Куваяма Гёкусю. По его мнению, полихроматические пейзажи должны были рассматриваться на уровне монохроматических картин китайских литераторов. Позднее художники бундзинги значительно изменили как технику, так и тематику этого жанра, создав смешение японского и китайского стилей.
Из-за политики бюджетной и социальной экономии, проводимой сёгунатом Токугава, роскошные модели этих жанров и стилей были в основном присущи высшим слоям общества и были недоступны, а то и вовсе запрещены для низших классов. У простого народа сформировался отдельный вид искусства, фудзокуга (жанровое искусство), в котором были популярны картины, изображающие сцены из обычной, повседневной жизни простых обывателей, театр кабуки, публичные дома и пейзажи. Из этих картин в XVI веке возникли картины и гравюры на дереве укиё-э.
Довоенный период (1868-1945)
Хаями Гёсю «Танцующий в пламени»
Довоенный период был отмечен разделением искусства на конкурирующие европейские стили и традиционные местные стили.
В период Мэйдзи Япония претерпела огромные политические и социальные изменения в ходе кампании европеизации и модернизации, организованной правительством Мэйдзи. Живопись западного стиля ёга официально поощрялась правительством, которое отправляло молодых перспективных художников на обучение за границу, а также нанимало иностранных художников, приезжавших в Японию для создания программы обучения искусству в японских школах. Курода Сейки считается лидером движения ёга и отцом западного стиля живописи в Японии.
Однако после первоначального всплеска энтузиазма по отношению к искусству западного стиля маятник качнулся в противоположную сторону, и под руководством художественного критика Окакура Какудзо и педагога Эрнеста Феноллозы произошло возрождение признания традиционных японских стилей (нихонга). В 1880-х годах искусство западного стиля было запрещено на официальных выставках и подвергалось резкой критике. Хасимото Гахо, художник школы Кано, стал основателем практической стороны этого возрожденческого движения. Он не просто писал картины в японском стиле, используя традиционные техники, но произвел революцию в традиционной японской живописи, привнеся в нее реалистическую экспрессию ёга, и задал направление последующему движению нихонга. Будучи первым профессором Токийской школы изящных искусств (ныне Токийский университет искусств), он обучил многих художников, которые впоследствии стали считаться мастерами нихонга, включая Йокояму Тайкана, Симомуру Кандзана, Хисиду Сюнсо и Каваи Гёкудо.
Художники стиля ёга создали Общество изящных искусств Мэйдзи (Meiji Bijutsukai), чтобы проводить собственные выставки и способствовать возрождению интереса к западному искусству. В 1907 году, после создания Бунтэн под эгидой Министерства образования, обе конкурирующие группы обрели взаимное признание и сосуществование, и даже начали процесс взаимного синтеза.
В эпоху Тайсё началось преобладание ёга над нихонга. После долгого пребывания в Европе многие художники вернулись в Японию во времена правления Ёсихито, принеся с собой технику импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писсарро, Поля Сезанна и Пьера-Огюста Ренуара оказали влияние на живопись раннего периода Тайсё. Однако художники ёга в период Тайсё также были склонны к эклектизму, и в это время возникло множество диссидентских художественных движений. В их число входило Общество Фусайн (Фюзанкай), которое делало акцент на стилях постимпрессионизма, особенно фовизма. В 1914 году возникло общество «Никакай», выступившее против спонсируемой правительством выставки «Бунтэн».
Японская живопись в период Тайсё испытала лишь слабое влияние других современных европейских течений, таких как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм. Однако именно возрождающаяся Нихонга к середине 1920-х годов переняла некоторые тенденции из постимпрессионизма. Второе поколение художников нихонга сформировало Японскую академию изящных искусств (Nihon Bijutsuin), чтобы конкурировать с финансируемой правительством «Бунтэн», и хотя традиции ямато-э оставались сильными, все большее использование западной перспективы и западных концепций пространства и света стало стирать различия между нихонга и ёга.
В довоенный период Сёва в японской живописи доминировали Сотаро Ясуи и Рюдзабуро Умэхара, которые ввели в традицию нихонга понятия чистого искусства и абстрактной живописи и тем самым создали более интерпретационную версию этого жанра. Это направление получило дальнейшее развитие благодаря Леонарду Фудзита и обществу «Ника», охватив сюрреализм. Для продвижения этих направлений в 1931 году была создана Ассоциация независимого искусства (Dokuritsu Bijutsu Kyokai).
Во время Второй мировой войны правительственный контроль и цензура привели к тому, что можно было выражать только патриотические темы. Многие художники были привлечены к пропагандистской работе правительства.
Послевоенный период (1945 — настоящее время)
Такаси Мураками «727»
В послевоенный период в 1947 году была создана финансируемая правительством Японская академия искусств (Nihon Geijutsuin), в состав которой вошли отделения нихонга и ёга. Государственное финансирование художественных выставок прекратилось, но на смену ему пришли частные выставки, такие как «Ниттен», еще более масштабные. Хотя изначально «Ниттен» была выставкой Японской академии искусств, с 1958 года она проводится отдельной частной корпорацией.
Искусство эпохи Эдо и довоенного периода (1603-1945) поддерживалось купцами и городскими жителями. В отличие от того времени, искусство послевоенного периода стало популярным. После Второй мировой войны в больших городах, особенно в Токио, расцвели художники, каллиграфы и печатники, которых стали интересовать механизмы городской жизни, отраженные в мерцающих огнях, неоновых цветах и бешеном темпе их абстракций. Все » isms» нью-йоркско-парижского мира искусства были горячо приняты. После абстракций 1960-х годов в 1970-е произошло возвращение к реализму, сильно приправленное движениями «оп» и «поп», воплотившимися в 1980-е годы во взрывных работах Усио Шинохары. Многие из этих выдающихся художников-авангардистов работали как в Японии, так и за рубежом, завоевывая международные премии. Эти художники считали, что в их работах нет «ничего японского», и действительно принадлежали к международной школе. К концу 1970-х годов поиск японских качеств и национального стиля заставил многих художников пересмотреть свою художественную идеологию и отвернуться от пустых, по мнению некоторых, формул Запада. Таро Окамото вдохновился керамикой периода Джомон и создал множество больших авангардных картин и скульптур для общественных мест в Японии. Как художник и теоретик искусства, он значительно укрепил репутацию периода Джомон в истории японского искусства. Как художник и теоретик искусства, он значительно укрепил репутацию периода Джомон в истории японского искусства. Современная живопись в рамках модерна стала сознательно использовать традиционные японские художественные формы, приемы и идеологию. Ряд художников моно-ха обратились к живописи, чтобы восстановить традиционные нюансы в пространственном расположении, цветовых гармониях и лиризме.
Японский стиль, или нихонга, продолжает довоенную манеру живописи, обновляя традиционные выражения и сохраняя при этом их неотъемлемый характер. Некоторые художники этого стиля по-прежнему пишут на шелке или бумаге традиционными красками и тушью, другие используют новые материалы, например акриловые краски. Многие из старых художественных школ, в первую очередь относящиеся к эпохе Эдо и довоенному периоду, продолжали практиковаться. Например, декоративный натурализм школы римпа, характеризующийся яркими, чистыми цветами и кровоточащими размывами, нашел отражение в работах многих художников послевоенного периода, в искусстве Хикосаки Наоёси 1980-х годов. Реализм школы Маруямы Окё и каллиграфический и спонтанный японский стиль джентльменов-ученых были широко распространены в 1980-е годы. Иногда все эти школы, а также более древние, такие как традиции туши школы Кано, использовались современными художниками в японском стиле и в современной идиоме.
Многие художники, работающие в японском стиле, были удостоены наград и премий в результате возрождения спроса на искусство в японском стиле в 1970-х годах. Все больше и больше международных современных художников также опирались на японские школы, отходя от западных стилей в 1980-х годах. Наметилась тенденция к синтезу Востока и Запада. Некоторые художники уже преодолели разрыв между ними, как, например, выдающаяся художница Шинода Токо. Ее смелые абстракции тушью суми были вдохновлены традиционной каллиграфией, но реализованы как лирические выражения современной абстракции.
В настоящее время Японии также есть ряд современных художников, чьи работы в значительной степени вдохновлены субкультурой аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры. Такаси Мураками, пожалуй, один из самых известных и популярных среди них, а также другие художники его студийного коллектива Kaikai Kiki. Его творчество направлено на выражение вопросов и проблем послевоенного японского общества через, казалось бы, безобидные формы. Он в значительной степени опирается на аниме и связанные с ним стили, но при этом создает картины и скульптуры в средствах массовой информации, более традиционно ассоциирующихся с изобразительным искусством, намеренно размывая границы между коммерческим, популярным и изобразительным искусством.
